À propos des artistes…

À la fois artiste professionnel, concepteur, intégrateur et technicien, Louis-Robert Bouchard participe depuis près de 15 ans à de nombreux projets liés à la sphère des technologies, du son, de l’image et de la scène au sein de divers compagnies, organismes  et collectifs, ainsi qu’aux côtés d’artistes professionnels du milieu de la danse, du théâtre, de la performance, de la musique, de l’art audio, de l’art visuel, de l’art multidisciplinaire, de l’installation audiovisuelle et de la recherche. Au fil de ces collaborations, il s’est imposé comme une référence en matière de création multidisciplinaire expérimentale, de projection vidéo, de spatialisation sonore et d’interactivité. En parallèle à sa pratique professionnelle, il développe activement sa pratique personnelle : artiste pluridisciplinaire, il associe technologies, musique, art audio, vidéo, installation et arts scéniques dans le contexte d’œuvres multidisciplinaires complexes et intelligentes.

Poète, chercheur et créateur tant multidisciplinaire qu’indiscipliné, Thomas Langlois se produit lors de spectacles hybrides liés à la poésie orale et à l’expérimentation théâtrales dont Imanipulaton, …manquante, Lapalissade, 1-800 Visage-s, Carnaval Carnivore et Panpan !. Il a remporté plusieurs distinctions, dont à deux reprises le titre de Champion Slam du Québec (2017 et 2018) et de Vice-champion du monde à la Coupe mondiale de slam de Paris (2018). Cofondateur et créateur actif des collectifs artistiques Dans Ta Tête (DTT) et P’lis d’langue, il est aussi cofondateur et codirecteur général et artistique de JokerJoker, diffuseur nomade de spectacles multidisciplinaires. Il est titulaire d’un baccalauréat en théâtre et d’une maîtrise en Littérature, arts de la scène et de l’écran à l’Université Laval et poursuit actuellement ses études au doctorat.

À propos de l’oeuvre…

L’Imanipulaton est une création multidisciplinaire dont l’intention consiste avant toute chose en la rencontre artistique entre poésie orale slamée, performance audio-vidéo-numérique et installation. Les artistes Thomas Langlois (performeur slameur) et Louis-Robert Bouchard (performeur médiatique) explorent les relations possibles entre l’homme moderne et son image numérisée, dans le but d’amener le spectateur à remettre en question les rapports qu’il entretient avec son propre reflet numérisé. Sous forme d’installation numérique autonome, l’œuvre utilise l’ensemble des médias capturés dans les spectacles antérieurs, devenant alors à la fois archive et trace, le reflet d’une image capturée à tout jamais dans le monde numérique.

Transformée en monstre par la mythologie grecque et abusée par la culture patriarcale, puis refondue en cliché littéraire par l’époque actuelle, Méduse, devenue « Hot Gorgone » diluée dans son essence même, explose d’une parole poétique in your face et profondément ambivalente. Tout en dénonçant nos rapports malsains à l’image numérisée (surveillance médiatique poussée à l’extrême, narcissisme exacerbé par les réseaux sociaux, dissolution identitaire dans le numérique), Méduse dénonce au passage la vanité et l’hypocrisie de l’acte même de dénoncer. Hot Gorgone, chimère androgyne, est la témoin de tous les témoins, voyeuse par excellence de son impuissance, notre impuissance. Elle emploie la technologie afin de fixer, d’immortaliser son reflet : elle pousse le cynisme jusqu’à se complaire dans sa sublimation par l’image numérique, un cliché idéalisé d’elle-même, dont elle ne peut détacher ses yeux.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos des artistes…

Maxime Archambault
maximearchambault.com

Maxime mélange la pratique commerciale et artistique pour proposer une approche exploratoire et évolutive. Il ne se concentre pas sur un médium ou un sujet en particulier, préférant les défis de la nouveauté. Pour lui, les lieux publics sont des endroits de choix pour diffuser son art. Maxime s’exprime à travers plusieurs médiums, soit la peinture, l’illustration numérique, la photographie, la vidéo et le mapping. Il puise son inspiration dans les sous-cultures, les tendances et la mode. Depuis quelques années, il a développé un intérêt pour le glitch art, les nouvelles technologies et leurs possibilités créatives.

Guillaume Vaillancourt
vaillancourt.io

Guillaume place la relation d’interdépendance entre humain et technologie au centre de son travail. Comme outils de création, il priorise la forme brute et les manipulations typographiques, qu’elles soient manuelles ou numériques. Sensible aux enjeux socio-politiques et philosophiques soulevés par les débats humain versus machine, son travail vise à minimiser la distance perçue entre ces deux entités. En effet, il est en recherche constante de façons novatrices d’humaniser la technologie aux yeux du public à travers l’art et les actes de performances interactives.

À propos de l’oeuvre…

Les artistes entrevoient la Vitrine de TOPO comme un espace défini dans lequel ils ont le pouvoir de créer un univers, pour ensuite l’observer, le voir changer, grandir ou même s’autodétruire. Leur titre est tiré de l’argument formulé par le philosophe suédois Nick Bostrom sur la simulation : « Running vastly many simulations of human minds would be within the capability of a future civilization ». Dans cet argument, Bostrom émet l’hypothèse que le monde dans lequel nous vivons est en fait une simulation, un univers virtuel créé par des êtres dotés d’une intelligence dépassant largement la nôtre.

Pour illustrer cette théorie, les artistes créent un diorama composé de multiples écrans, offrant chacun au spectateur un point de vue sur un univers simulé. De par ces fenêtres flottant dans un ciel bleu tressé d’animations typographiques, les visiteurs observent des personnages déambulant et s’attardant parfois devant le cadre. Ceux-ci semblent jeter un regard vers l’extérieur, se questionnant sur les mystères du dehors. Mis en scène dans la vitrine, ils ne perçoivent que la surface de leur monde, guettant aux loin des signes d’une potentielle supercherie.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 12×20 po. / 30,5×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Artiste des arts numériques, des arts visuels et compositeur, Manuel Chantre crée des installations, sculptures, performances et œuvres publiques. Ses œuvres sont présentées par des institutions en arts médiatiques de renommées internationales, des espaces publics, des collections privées et publiques dont celle de la Ville de Montréal.

Depuis 2004, il a diffusé son travail à plus de 70 événements, festivals, ou expositions tels que la Société des arts technologiques (CA), la Biennale d’art numérique (CA), l’Espace Desjardins (CA), Mutek (CA), le Mapping Festival (CH), Filux Festival (MX), Elektra (CA), File Electronic Language International Festival (BR), le Mois Multi (CA), le Festival de la Imagen (COL), Scotiabank Nuit Blanche (CA), le Festival du Nouveau cinema (CA), Steim (NL), Videopool (CA), PAVED Art (CA), le Cegep André-Laurendeau (CA), l’Agence Topo (CA) et Sight and sound (CA).

Son travail propose un univers fictif à la fois sensoriel et narratif, tout en  explorant la mémoire, l’identité ainsi que les espaces habités, imaginés et immatériels fabriqués par l’être humain.

Chantre détient un baccalauréat en anthropologie sociale et culturelle de l’Université Laval, un baccalauréat en beaux-arts et en musique électroacoustique de l’Université Concordia et a aussi étudié l’électronique et la programmation.

manuelchantre.com

À propos de l’oeuvre…

L’oeuvre est une édition revisitée de l’impression qui fait parti de l’installation musicale-immersive-interactive La partition des corps, une œuvre dédiée aux mélodies qui portent nos mémoires.

« La partition des corps ce sont les corps marqués par les musiques. Les mélodies portent nos mémoires et se déplacent lentement dans une masse musicale qui traversera le temps. Je souhaites créer un espace étrange qui provoquera des souvenirs qui appartiennent au public, au visage transparent et aux anciens propriétaires de vinyles.»

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Née en Jamaïque d’une mère française et d’un père jamaïquain, Olivia Mc Gilchrist et sa famille quittent les Caraïbes quand elle avait quatre ans. L’artiste y retourne pour y vivre et travailler (2011-2014). Depuis, sa pratique explore les notions de translocation et d’identité culturelle à travers sa double nationalité franco-caribéenne. Inspirée des espaces où elle a vécu et travaillé, elle superpose des réalités parallèles à travers la photographie, les installations vidéo et la réalité virtuelle. Elle se réapproprie les éléments appartenant au domaine de « l’exotique » puis elle les reconfigure et recartographie pour évoquer l’hybridation complexe des identités.

Olivia Mc Gilchrist a complété une maitrise en photographie au London College of Communication (2010), une formation en Design and Computation Arts (2014-2015). Elle poursuit actuellement un doctorat en arts, éducation et technologies immersives à l’Université Concordia.

Sa pratique s’intéresse aux nouvelles formes de narration visuelle immersive et à leur capacité en tant qu’expression créative de subvertir les réalités raciales, sociales et sexuelles, telles qu’elles sont catégorisées, classifiées et discriminées à travers le prisme non-occidental des Caraïbes contemporaines et de sa diaspora. Son travail s’intéresse à la performance en direct, à la poésie et à l’eau comme territoires d’immersion ouvrant sur des expériences contemplatives et interactives. À l’intersection entre l’art institutionnel et l’art populaire, elle amalgame l’art traditionnel de la transmission orale et l’installation vidéo et elle s’inspire des commentaires sur YouTube pour créer de nouveaux environnements et des expériences de réalité virtuelle.

À propos de l’oeuvre…

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Natacha Clitandre a complété en 2000 un B.A. en arts visuels de l’UQAM et l’université Concordia. Elle a ensuite étudié le design graphique à l’École de Design de l’UQAM. Elle a complété en 2007 un Master en Théorie et pratique de l’art contemporain et des nouveaux médias à l’Université Paris 8 et à l’ENSAD. Dans le cadre de ce cycle d’études, elle a effectué un séjour à Brown University et RISD, Providence, RI.

Ses œuvres ont été présentées dans différentes villes européennes et nord-américaines. Elle vit actuellement à Montréal, où elle travaille à la fois comme artiste et coordonnatrice à la programmation du centre d’artistes Studio XX.

À propos de l’oeuvre…

Photo tirée de Spectrographies du territoire, démarche propose d’explorer de l’intérieur un secteur en pleine mutation, marqué en son centre par le chantier du Campus MIL de l’Université de Montréal.

Lors de balades exploratoires, des citoyens et citoyennes d’Outremont, de la Petite-Patrie et de Parc-Extension ont été conviés à aborder leur environnement en s’attardant aux détails urbanistiques que l’on y trouve et qui symbolisent leur relation au territoire.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront..

À propos de l’artiste…

Artiste multidisciplinaire des arts visuels, médiatiques et des nouveaux médias interactifs, Marie-Hélène est originaire de la Ville de Québec. Elle est détentrice d’une maîtrise de l’Université du Québec à Montréal en arts visuels et médiatiques avec des formations parallèles en danse, musique, cinéma/vidéo et programmation data flow. Son travail artistique a été présenté dans plusieurs évènements nationaux et internationaux, en Europe, en Asie, au Canada, aux États-Unis  et au Maroc.

À propos de l’oeuvre…

Photographie de la chute Vauréal utilisée dans l’œuvre Fluxus∞ présentée chez Topo.

Fluxus∞ est une œuvre à la fois poétique et engagée qui se présente tel un baromètre quotidien des changements de paradigmes de notre époque et de notre interrelation à l’environnement. Fluxus∞ interroge l’impact des citoyens sur le positionnement de nos sociétés en regard de l’environnement. L’œuvre met à l’honneur des paysages d’Anticosti qui sont modifiés par le flux de données de l’actualité environnementale et énergétique sur Twitter et par la présence des personnes près du mur vidéo. Fluxus∞ a été réalisée grâce à une commande d’oeuvre du Conseil des arts du Canada suite à un concours national pour être présentée en 2015-2016 sur son immense mur vidéo dans le grand hall de l’organisme à Ottawa.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Par une approche multidisciplinaire en art action, en arts visuels et en arts médiatiques, Marie-Claude Gendron tente de dégager les schèmes d’une collectivité qui s’actualise constamment dans les sphères du public, du privé et de l’intime. Elle adopte ainsi la posture d’une ethnographe provisoire qui témoigne de l’objet de ses observations par une pratique heuristique et contextuelle. Gendron s’intéresse particulièrement à la potentialité transgressive d’espaces limitrophes et à la notion trouble de frontière, à la fois imaginaires et physiques, fictives ou réelles. De l’ordre de la commémoration brute, ses projets sont des tentatives perpétuelles de figer l’impermanence et de souligner le caractère inéluctable du temps qui passe par la poésie en action. De ce fait, elle met en exergue l’inévitable transformation de l’existant.

Née à Québec, Marie-Claude Gendron développe une pratique interdisciplinaire en performance, interventions in socius, vidéo, collage et art numérique. En plus de s’impliquer dans l’organisation d’événements performatifs autogérés, elle a participé à plusieurs résidences, expositions et événements au Québec, au Brésil, au Mexique, en France, en Italie, en Irlande du Nord, en Suisse et en Thaïlande. Son travail a fait l’objet de présentations solos et collectives à la Galerie de l’UQAM (Montréal, CAN), au Bangkok Art & Culture Centre (Bangkok,TH), au Museo de medicinal laboral (Real del Monte, MX), à la Galerie des arts visuels (Québec, CAN) et dans le cadre du RIAP 2012 et 2014 (rencontres internationales d’art performance, Le Lieu, Québec, CAN). Elle s’intéresse aux différentes formes de poésie en action et à leur actualisation par le corps et l’écrit.

À propos de l’oeuvre…

« Une histoire de l’immédiat [en cinq actes] » raconte un récit en cinq jours qui a brouillé les limites de la surface écranique.

Dans son « atelier de l’éphémère » sur une table de travail placée devant la Vitrine de TOPO, Marie-Claude Gendron a réalisé une collection de cinq documents qui ont été mis en action en cinq actes, sur une période de cinq jours. Des archives personnelles classées par associations poétiques (une collection de notes, d’images, de photographies, de dessins, de collages, de citations et d’aphorismes) ont constituée une encyclopédie du possible en cinq chapitres.

L’action posé par l’artiste traduit le réflexe de classifier, propre à l’être humain, dans le but d’analyser ou de mieux comprendre un flot perpétuel d’images, d’impressions et de réminiscences qui assiègent notre conscience. Notre présent, depuis le numérique, a peut-être disparu ou, au contraire, s’est décuplé à l’infini.

Résolument critique, la posture de l’artiste a visé à valoriser l’espace-temps de la création qui oeuvre plus souvent qu’autrement dans l’imaginaire de la paperasse transmise à nos instances. Comme le mentionne si bien Boris Nielsony, l’artiste a installé « sa table-paradis dans une cathédrale, dans un lieu qui par les cultes de la transformation et une atmosphère, créent du temps. » [1]

[1] Boris Nielsony, (2015). Le paradis. Inter art actuel, Pauvreté, dépouillement dénuement (121), pages 76-79.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Les pratiques combinées des artistes interdisciplinaires Alexis O’Hara & Atom Cianfarani comprennent des interventions urbaines, des installations, des performances sonores, des sculptures lumineuses et la conception d’infrastructures vertes.

Ce duo est particulièrement dédié à la subversion spatiale, le sauvetage des déchets et la renaissance d’objets. Et tu, Machine s’engage à détourner les paysages urbains et les situations sociales pour créer des circonstances qui mettent en valeur l’esprit anarcho-écolo du Queer Imagineering (génie imaginaire queer).

Et tu, Machine s’engage à créer des projets qui fusionnent les objectifs parallèles de la sensibilisation à l’environnement et le renforcement des liens communautaires interpersonnels. Alors que cette alliance est naissante, individuellement, Cianfarani et O’Hara ont des décennies d’expérience dans la production d’œuvres d’art et de projets de design à grande échelle.

À propos de l’oeuvre…

À la veille du projet de loi fédéral C-45, en vigueur le 17 octobre 2018, légalisant la consommation récréative du cannabis, les artistes ont transformé la Vitrine de TOPO en une chambre de culture.

CULTURE cherche à célébrer les racines psychédéliques et insoumises de cette plante tout en examinant les paramètres juridiques dans lesquels elle sera bientôt contrôlée par le biais d’une loi de 152 pages détaillant ses modes de distribution et de consommation.

Poteuses assumées, les artistes examinent l’espace liminaire que le statut de la marijuana occupe actuellement et les schismes sociaux que la légalisation entraînera. Bien que pro-légalisation, elles sont préoccupées par l’opportunisme des sociétés privées de production et de distribution en collusion avec l’État.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Daniel Iregui est un artiste médiatique qui emploie les technologies comme vecteur d’un nouveau langage visuel. Il travaille avec les combinaisons infinies et aléatoires que peuvent produire les systèmes numériques une fois manipulés par le public. Né à Bogotá, Daniel Iregui vit et travaille à Montréal. Il est le fondateur d’Iregular, une jeune société centrée sur le contenu interactif. Le travail d’Iregui, souvent signé de son pseudonyme Iregular, a été présenté à travers le monde, notamment à la BIAN de Montréal, au Festival de Mapping de Genève, au MAB de Copenhague, à MUTEK Montréal, à MUTEK Mexico, à la Biennale des Arts Numériques d’Enghien-Les-Bains, au Glow Festival d’Eindhoven, au L.E.V. Festival de Gijòn, au Shuó Taikoo Li de Beijing et au FACT à Liverpool. Sa première exposition solo SPECTRAL EXITANCE a été présentée au Van Abbemuseum de Eindhoven en 2015.

À propos de l’oeuvre…

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×20 po. / 50×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Philippe Boisnard interroge depuis de nombreuses années la constitution de l’homme à travers la matérialité des codes et des représentations liées à la dimension aussi bien politique, que sociale ou économique. Il a écrit plusieurs livres et essais, et faits de nombreuses conférences en France et à l’étranger.

Depuis 2008, il crée des installations numériques telles After Fukushima, phAUTOmaton, Translations, Shape_of_ memory, Words City, présentées nationalement ou internationalement. Il a travaillé pour des créations numériques théâtrales (Festival d’Avignon, La Villette, Théâtre des Tanneurs à Bruxelles). Il est aussi commissaire d’exposition en art technologique (Access, Les Bains numériques, …) Il a obtenu en 2007 le prix multimédia de la Société des gens de Lettres de France (SGDL), et en 2013 le trophée art aux voeux de l’internet (Le Cube).

À propos de l’oeuvre…

Un paysage sans reste d’humanité se crée de manière continue. Il est un reflet poétique d’une terre dont nulle conscience n’est plus témoin. Il y a eu destruction. Cette terre, c’est Fukushima. Elle est désolée. Il ne reste qu’un paysage sombre, sans hommes, sans faune ou flore. Seuls quelques vestiges de constructions peuvent apparaître.

Ce paysage se modifie automatiquement par l’analyse des flux d’informations concernant Fukushima mis en ligne sur le Web. Ce paysage est post-historique. Il n’écrit plus l’histoire. Il est le reflet d’un monde où l’homme a disparu, mais dont il ne reste plus que les traces sous la forme d’archives. Une caméra automatique explore ce paysage : nous faisons face à sa solitude. Le terme de solitude est ancien, il renvoie au XVIIème siècle à une friche, à un no man’s land.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Philippe Boisnard interroge depuis de nombreuses années la constitution de l’homme à travers la matérialité des codes et des représentations liées à la dimension aussi bien politique, que sociale ou économique. Il a écrit plusieurs livres et essais, et faits de nombreuses conférences en France et à l’étranger.

Depuis 2008, il crée des installations numériques telles After Fukushima, phAUTOmaton, Translations, Shape_of_ memory, Words City, présentées nationalement ou internationalement. Il a travaillé pour des créations numériques théâtrales (Festival d’Avignon, La Villette, Théâtre des Tanneurs à Bruxelles). Il est aussi commissaire d’exposition en art technologique (Access, Les Bains numériques, …) Il a obtenu en 2007 le prix multimédia de la Société des gens de Lettres de France (SGDL), et en 2013 le trophée art aux voeux de l’internet (Le Cube).

À propos de l’oeuvre…

Un paysage sans reste d’humanité se crée de manière continue. Il est un reflet poétique d’une terre dont nulle conscience n’est plus témoin. Il y a eu destruction. Cette terre, c’est Fukushima. Elle est désolée. Il ne reste qu’un paysage sombre, sans hommes, sans faune ou flore. Seuls quelques vestiges de constructions peuvent apparaître.

Ce paysage se modifie automatiquement par l’analyse des flux d’informations concernant Fukushima mis en ligne sur le Web. Ce paysage est post-historique. Il n’écrit plus l’histoire. Il est le reflet d’un monde où l’homme a disparu, mais dont il ne reste plus que les traces sous la forme d’archives. Une caméra automatique explore ce paysage : nous faisons face à sa solitude. Le terme de solitude est ancien, il renvoie au XVIIème siècle à une friche, à un no man’s land.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Née à Boisbriand, Isabelle Gagné est une pionnière de l’art mobile au Canada. C’est en 2009 qu’elle s’est tournée vers les appareils mobiles comme médiums d’expression artistique. Depuis, elle a présenté son travail dans des expositions individuelles et collectives au Canada et à l’étranger. Alimentée par son environnement numérique, l’artiste porte un intérêt particulier au paysage naturel contemporain québécois, marqueur énonciatif du patrimoine. Ses recherches sont multiplateformes. Elle puise sa matière première dans des photos, captures d’écran, et même des accidents graphiques trouvés sur Internet.

À propos de l’oeuvre…

Stratotype digital-ien est un robot informatique autonome [bot] qui recompose de manière aléatoire les images du paysage québécois. Il a pour fonction de transformer les photos prises par l’artiste et recueillies auprès de citoyens. Aux photos originales, le bot ajoute des extraits d’images de nature géomorphologique similaire trouvées sur Google Image, créant ainsi une nouvelle génération d’images. Les images modifiées créent des occurrences visuelles insolites du territoire québécois sur le web et les moteurs de recherche. Ces nouvelles données produites par le robot contribueront à accroître les archives photographiques du patrimoine québécois sur le web. La programmation de ce [bot] est le fruit d’une collaboration avec le développeur web Paul Gascou-Vaillancourt.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×15 po. / 50×38 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos des artistes…

Simon Dumas. À la fois poète et artiste, il a fait paraître cinq titres de poésie : Pastels fauves aux éditions du Loup de gouttière (2001), Petites îles de soif aux Écrits des forges (2003), La chute fut lente, interminable puis terminée aux éditions La Peuplade (2008) — finaliste au prix Alain-Grandbois — ainsi que Mélanie (2013) et Révélations (2016) aux éditions de l’Hexagone. Il a bénéficié d’une résidence d’écriture à Mexico en 2010 et d’une autre à Paris à l’automne 2014. Il est cofondateur et directeur artistique de Productions Rhizome dont le mandat est de produire des spectacles littéraires. Il vit et travaille à Québec.

Mickaël Lafontaine. Artiste multidisciplinaire, son univers de création se situe à la croisée du réel et du numérique, de l’art et du social. Sa pratique artistique s’articule autour de l’art vidéo, du vidéo-mapping, de la danse, de la poésie et de la philosophie. Il fait appel à la vidéoprojection et à l’interactivité afin d’incarner le numérique dans le réel et de le faire vivre entre les mains du spectateur. En parallèle, il développe des projets de co-création en milieu éducatif et associatif où l’art et les nouvelles technologies deviennent des facteurs de changement social. Il vit et travaille entre les villes de Nantes et de Montréal.

À propos de l’oeuvre…

L’image est issue de l’installation Choeur(s) pour castelet dont le coeur est fait de poésie. Dans la vitrine, au centre d’un petit plateau noir, se tiennent un certain nombre de personnages. Ce sont les habitants d’un castelet particulier, hommes et femmes, qui interpellent le visiteur. Ce sont des poètes, du Québec et de la Belgique, des présences poétiques différées et ramenées aux proportions du castelet. À chaque auteur(e) est associé un artiste audio ayant composé spécifiquement une pièce. À chaque duo vient se greffer une création vidéo conçue expressément pour le dispositif, ainsi qu’une animation typographique dynamique créée par l’artiste Mickaël Lafontaine, qui utilise une œuvre-outil qu’il a développée, l’Audiographe. La voix des poètes module les animations en temps réel.

Chœur(s) est une installation de configuration variable créée avec l’artiste et développeur Louis-Robert Bouchard avec la participation de TOPO et du Laboratoire Nt2

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Sarah Chouinard-Poirier. Dans ses travaux l’artiste multidisciplinaire se met physiquement en jeu et élabore des performances où la présence, le geste, la parole et l’objet concourent à créer une expérience radicale et une mythologie féministe et résistante. Positionnant sa pratique entre le théâtre et l’art action, elle s’engage aussi dans des projets collectifs où elle participe à la création de formes théâtrales interdisciplinaires ancrées dans le travail du corps et la performativité, basées sur des écritures contemporaines ou des textes du répertoire. Depuis 2012, elle coordonne les activités de Volte 21, organisme de création pluridisciplinaire dont elle est cofondatrice. Elle vit et travaille à Montréal.

À propos de l’œuvre…

En février 2017, Sarah Chouinard-Poirier présente le projet indexE dans la Vitrine de TOPO. indexE pose la question de la place des femmes en littérature en recourant à l’oralité comme lieu de partage et de transmission. L’artiste a convié une communauté ad hoc de 100 personnes s’identifiant comme femmes, personnes trans ou queer, réunies par une invitation à proposer une œuvre de la littérature féminine revêtant pour elles une importance particulière. Ces œuvres constituent l’indexE, un répertoire de livres à désoublier exposés dans la vitrine pendant toute la durée de l’exposition. Dans cet espace intime évoquant la bibliothèque et le studio de radio, la performeuse et ses collaboratrices ont offert un cycle de lectures de longue durée, de cinq heures par jour durant six jours.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 15×20 po. / 38×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos des artistes…

La collaboration entre Jean-René Leblanc et Carl Spencer, deux artistes, basés à Calgary, résulte d’une commande de la Société Radio-Canada pour le 100^e anniversaire du Stampede de Calgary, l’un des plus grands rodéos du monde. Conçue expressément pour une vitrine, Toro embistiendo a été réalisée pour la première fois en 2012 dans l’espace vitré du centre d’artistes Stride à Calgary. Activement impliqués dans la communauté des arts visuels et médiatiques, Leblanc et Spencer siègent tous deux au conseil d’administration de Emmedia Gallery and Production Society et ils ont cofondé le laboratoire transdisciplinaire Sensorium de l’Université de Calgary – un groupe de recherche artistique explorant les systèmes d’interaction qui encourageant la perception et l’interprétation kinesthésique axée sur la participation. Leur pratique explore la relation entre la technologie et la culture à travers des enjeux liés à l’interactivité. Leurs œuvres ont été présentées au Canada, aux États-Unis, en Europe, en Asie et en Australie.

À propos de l’oeuvre…

L’œuvre Toro embistiendo interroge l’image du taureau comme figure emblématique de la culture du rodéo et des cowboys au Canada. Le titre fait appel à la langue espagnole pour désigner le taureau qui charge, une référence explicite à la tauromachie si présente dans la culture hispanique. L’installation explore le jeu de la confrontation entre le spectateur et la vidéo d’un taureau dans son enclos qui se met à charger quand on l’excite en passant devant la vitrine où l’œuvre est présentée. Leblanc et Spencer proposent une installation ludique et métaphorique utilisant l’interactivité pour créer un pont entre le réel et le virtuel.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 10×20 po. / 25,5×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Élène Tremblay (1962-2016). À travers la photographie, la vidéo et l’installation mécanisée, son travail a exploré les questions récurrentes de l’échec du contact dans le simulacre, du corps vulnérable et pathétique dans sa posture, de l’appel à l’empathie du spectateur, de la fausse adresse et de la théâtralisation du regard du spectateur.

Détentrice d’un doctorat en études et pratiques des arts de l’Université du Québec à Montréal, elle a publié en 2013 L’insistance du regard sur le corps éprouvé, pathos et contre-pathos aux éditions FORUM (collection Cinethesis, Udine, Italie). Elle était professeure adjointe au département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques de l’Université de Montréal. Auparavant elle fut directrice à la programmation de L’Espace Vox à Montréal et commissaire de plusieurs expositions.

À propos de l’oeuvre…

Dans cette vidéo, un petit d’arbre est soumis au vent de plus en plus puissant d’une soufflerie. L’arbre demeure enraciné même si ses branches basculent presque à l’horizontal.

L’approche sarcastique et réflexive de cette vidéo illustre le caractère perturbateur tout à fait naturel du vent mais par le biais d’une intervention artificielle. Cette vidéo a été réalisée dans un laboratoire scientifique d’ingénierie servant habituellement à mesurer les conséquences du vent sur les bâtiments (Wind Tunnel Lab, Département de génie civil et environnemental de l’Université Concordia).

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 12×20 po. / 30,5×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Julien-Robert est un compositeur et artiste multi-disciplinaire explorant la relation entre son et visuel. Il crée des performances et des installations audiovisuelles alimentées par son parcours et son expérience musicale.

Il a d’abord étudié la composition instrumentale et électroacoustique avant d’élargir son champ artistique à la création vidéo et aux dispositifs interactifs. En créant ses oeuvres, il accorde une grande importance à leur mise-en-scène afin de faire vivre aux spectateurs l’expérience la plus complète et authentique possible. Il travaille actuellement, en collaboration avec Julien Compagne, sur le développement d’une nouvelle forme artistique combinant en un seul objet musique, vidéo et technologie au sein de leur groupe Video Phase.

À propos de l’oeuvre…

Fit in the Crowd est une installation vidéo triptyque interactive illustrant certains aspects de la vie urbaine. Avec des images projetées à la manière d’un stroboscope aveuglant, l’œuvre évoque la sursaturation de messages auxquels nous sommes exposés tous les jours et suggère des moments de réconfort, de refuge, où la vie s’arrête un instant. Elle questionne ainsi l’espace que nous habitons, en milieu urbain, en relation au confort qu’il nous procure par son anonymat.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Maxime Boisvert a d’abord obtenu un diplôme collégial en Arts et lettres au Cégep du Vieux-Montréal avant d’y compléter une technique en photographie en 2008. Œuvrant depuis comme photographe, il a complété son baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l’Université du Québec à Montréal en 2017. Il a entre autres participé aux expositions Paramètres, en 2015 et 2016, où il fut respectivement récipiendaire des bourses d’excellence Mc Abbie et Omer Deserres. Il a par la suite participé à l’exposition Passage à découvert où son travail fut récompensé par la réception de la prix d’excellence des professeurs Thomas Corriveau et Mario Côté. En automne 2017, il a entamé une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’UQAM, soutenu par la Bourse d’excellence de recrutement de l’UQAM FARE.

Ce qui unit les différents projets issus de sa pratique artistique est une référence à l’histoire, la culture et parfois à la littérature québécoise. Cette démarche est animée par un désir de découvrir et d’interroger son héritage et ainsi de s’y inscrire et de le continuer en y participant. La photographie et le texte sont les outils principaux de ses recherches.

À propos de l’oeuvre…

Une dactylo, connectée à un ordinateur, exploite de façon autonome et continue la poésie générée en direct par un algorithme inspiré des chaînes de Markov. Le texte source, utilisé par le code JavaScript pour créer de la poésie, est composé des œuvres de deux poètes canadiens-français, Saint-Denys Garneau et Alain Grandbois. Bien qu’ils soient des pôles séparés les uns des autres à plusieurs niveaux, ils ont tous deux été d’une importance primordiale dans la genèse de la littérature québécoise. La poésie générée de Regards et jeux dans l’espace de Saint-Denys Garneau d’une part et de Les îles de la Nuit d’Alain Grandbois est typée dans l’infini par la dactylo sur une feuille de papier en continu. Les réconcilier à travers ce projet est une manière de questionner leur héritage, leur impact sur notre culture et ce qu’ils en disent, et donc ce qu’ils disent de nous. Comme le dit Pierre Nepveu dans son livre sur la genèse de la littérature québécoise, Garneau et Grandbois font partie des poètes qui sont maintenant perçus comme des phares, utilisés pour tracer ou développer l’histoire du Québec. Ce projet est ainsi devenu prétexte à une relecture de ces poètes, peut-être à leur actualisation et à leur réappropriation.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Santiago Tavera est un artiste numérique interdisciplinaire né en Colombie. Il a migré au Canada à un jeune âge où il a commencé son exploration de la culture numérique par rapport à l’expérience d’un corps transculturel. L’artiste utilise les médias numériques comme un outil d’expérimentation capable de simuler un état de désincarnation. Sa recherche créative explore les médias numériques et leur capacité à modifier la perception visuelle et spatiale. Les dessins et dessins numériques de Santiago fonctionnent comme des plans pour des installations immersives potentielles et des projets interactifs. Il construit des environnements architecturaux numériques, où il y a une traduction constante entre les lignes numériques et physiques, les lumières et les couleurs.

Santiago est titulaire d’une maîtrise en beaux-arts à l’Université Concordia à Montréal et d’un baccalauréat en arts visuels et psychologie de l’Université Western Ontario.

À propos de l’oeuvre…

Models of Spatial Fictions est une série d’animations numériques du projet Translational Spaces. Ces animations graphiques sont désignées par l’artiste comme des environnements architecturaux numériques au sein de paysages virtuels. L’intrigue visuelle est basée sur des diagrammes, des dessins animés, des modèles d’architectures virtuelles et des dessins de structures en transition qui explorent le mouvement temporel et spatial des ombres et des lumières. C’est un ensemble de tables et d’espaces dynamiques composés principalement de formes graphiques et tridimensionnelles évoquant des lieux de mémoire, d’imagination, de désir et de rêve, d’espaces réels ou inventés. Ces animations se retrouvent sur le site www.dssots.com, où l’artiste associe de courts textes fictifs autour de la traduction des formes et des identités dans les espaces réels et virtuels.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront..

À propos de l’artiste…

Artiste en arts visuels et en nouveaux médias, Joseph Lefèvre réalise des installations interactives, des projets d’art web et des performances visuelles en direct. Parmi ses projets on peut citer Le Café de l’abattoir (ACM SIGGRAPH 1992, Dallas), Traces et contrastes (ISEA95, Montréal), L’Espace du Chamane (Prix Möbius des multimédia Québec-Canada 2000), Au bord du fleuve, commissionné par de Turbulence.org présenté au cyberart festival de Bilbao ainsi que L’expérience du sacré, (Musée National des Beaux Arts de Taïwan, 2010). Joseph Lefèvre fait partie de l’équipe de la Société des arts technologiques [SAT] depuis sa création en 1995.

À propos de l’oeuvre…

L’installation Une curieuse vitrine, présentée à TOPO, était composée d’une multitude d’objets intrigants et hétéroclites ainsi que de projections colorées qui animaient des volumes géométriques. Au cœur de cette ambiance festive, on découvre un monde complexe où l’horreur côtoie étrangement la frivolité : photos de tirailleurs sénégalais et marocains morts pour une nation qui n’est pas la leur, crânes humains en pâte à sel empilés qui renvoient au génocide opéré par les Khmers rouges. Dans cette oeuvre, l’artiste remixe, souvent de manière artisanale, différents objets, souvenirs et éléments de culture qui lui sont chers et nous transmet des faits d’une manière engagée, sensible et clairvoyante.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

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À propos de l’artiste…

Né à Los Angeles, Oli Sorenson a vécu et travaillé à Londres (UK) entre 1999 et 2010, où il a combiné ses activités artistiques avec des projets de commissariat. Sorenson a exposé notamment au Millennium Museum (Pékin), au Media Art Institute (Amsterdam), au ZKM (Karlsruhe) et au DokFest (Kassel). Il se produit régulièrement dans des festivals médiatiques tels que ISEA (Helsinki et Nagoya), Mapping Festival (Genève) et MAF (Bangkok). Il est maintenant basé à Montréal, Canada depuis 2010.

Sorenson définit sa pratique par la transgression des concepts d’originalité, une désobéissance de ces conventions qui s’est souvent prêtée à des projets de performance vidéo et sonore, présentés dans des contextes festifs. Cette excursion dans le domaine de la musique électronique a aussi informé ses projets en art contemporain, et a particulièrement nourrit sa fascination pour la surabondance de contenus culturels accessible en réseau. À l’inverse d’un fétichisme par la rareté, Sorenson expose ici une culture numérique valorisant l’abondance et l’ubiquité.

À propos de l’oeuvre…

Le projet Vidéo Pistoletto s’inscrit en continuité avec mon récent travail de remix, consistant à emprunter le geste créateur d’autres artistes pour le diriger vers des matériaux et des problématiques qui n’ont pas encore été explorées par ces auteurs. Ici je détruis des écrans de télévision à cristaux liquides (LCD) de la même manière que Michelangelo Pistoletto brise ses grands miroirs. Je m’attaque à des matériaux technologiques pour produire une multitude d’artefacts de performances, tels que ces photos d’écran LCD brisés.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 20×16 po. / 50×40 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Steve Heimbecker est artiste, compositeur et concepteur d’environnements multicanaux immersifs. Sur le plan conceptuel, son travail repose sur sa fascination pour l’architecture de l’espace et la mesure du temps dans l’espace, y compris son penchant naturel vers la représentation en mode transversal. Son travail fait partie de collections publiques dont celles du Musée national des beaux-arts du Québec, de la Alberta Art Foundation et de la Fondation Foothills Hospital. Avec près de 30 années de pratique artistique, Heimbecker a présenté ses installations, performances audio et compositions au Canada, en Europe, à New York et au Pérou. Il vit et travaille dans la région de Sherbrooke au Québec. 

À propos de l’oeuvre…

Cette œuvre est l’un des nombreux néologismes créés par l’artiste pour sa série d’installations multi-écrans et poésie de performance Ripaliper, METAFIVE et Notes réalisés entre 2012 et 2016. Taberneige a été écrit par l’artiste le 16 mars 2014 et a ensuite été scanné et numérisé pour une utilisation dans ses productions et impressions numériques.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 13×20 po. / 33×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Pat Badani. Originaire d’Argentine et basée à Chicago, l’artiste au parcours international est détentrice d’une maîtrise en arts visuels de l’Art Institute of Chicago. En tant que praticienne, chercheure, professeure, éditrice et commissaire, elle s’intéresse à la relation entre les nouveaux médias et la sphère sociale. Sa pratique à la fois conceptuelle et contextuelle s’articule à travers la création artistique, la recherche et l’écriture autour de sujets tels que l’habitation, la transculturalité, les mouvements migratoires de la population et un mode de vie axé sur le développement durable. »

Son travail a été présenté en Amérique du Nord et du Sud, en Europe et en Asie. Elle a participé à de nombreux symposiums internationaux et ses écrits ont été publiés à l’échelle internationale, et elle a reçu de nombreux prix et distinctions. Badani est actuellement professeur de médias intégrés à l’école d’art de l’Illinois State University; Directeur par intérim du programme d’études interdisciplinaires en arts médiatiques au Columbia College, Chicago; rédacteur en chef du Media-N Journal, le New Media Caucus; et éditeur invité de « Artelogie », EHESS (France). Depuis janvier 2017, elle siège au conseil d’administration d’ISEA International.

À propos de l’oeuvre…

Avec cette œuvre, Badani souligne son appréhension à l’égard de la vie privée et de l’espace personnel dans un contexte de surveillance. Elle invite les visiteurs à faire un mouvement (make-A-move), engendrant ainsi un jeu de cause à effet entre le participant et le regard automatisé. Les portraits suivent des yeux les visiteurs, sans relâche, suscitant méfiance, surprise, peur ou bien passivité.

L’installation a été conçue par Pat Badani lors d’une résidence à l’Agence TOPO, en coproduction avec Art Souterrain, dont l’édition 2015 avait pour thème la sécurité. Elle a été réalisée avec le soutien de Patrice Coulombe (conseiller technique), de Paul Gascou-Vaillancourt (assistant à la production) et de l’équipe de TOPO.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g.  Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.

• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Audrey-Maude McDuff vit et travaille à Montréal. Elle a obtenu en 2014 une maitrise en arts visuels de l’Université Concordia. L’artiste a participé à plusieurs expositions solos et collectives, notamment à la galerie Art Mûr, à la SAT et à plusieurs éditions de la Nuit Blanche à Montréal. Son travail a également été exposé aux États-Unis, en Italie et en Belgique.

L’artiste porte une réflexion sur la représentation en vidéo et sur l’insuffisance de l’image enregistrée comme substitut de la mémoire. Sa pratique se définit par le croisement de plusieurs médiums, prenant souvent la forme de l’installation vidéographique. Sa pratique tente de saisir la trace mais le geste de « capture » se révèle impossible; l’instant disparaissant aussitôt que surgit le désir de s’en emparer. Ses œuvres évoquent l’impermanence et l’intangibilité de l’image en mouvement dans le temps; l’impossibilité de la caméra vidéo à conserver réellement les évènements du passé.

À propos de l’oeuvre…

Carnets de capture est une installation vidéo dans laquelle le carnet, l’atelier et le déploiement de la pensée sont au cœur des préoccupations. Entre dessin, vidéo et gestes performatifs, cette œuvre interroge le lien étroit entre une pensée et son support. L’oeuvre porte une réflexion sur les conditions de surgissement d’une image ou d’une idée. Elle présente une tentative de «capturer» une pensée fugitive. Cette volonté de vouloir « saisir » est résolument un échec. Suite à la multitude d’idées qui nous passent par la tête,  les images se forment, se transforment, mais ne restent pas.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.

À propos de l’artiste…

Libre acteur des arts visuels et numériques, de la performance et de la poésie, Hugo Nadeau a présenté ses projets dans plusieurs endroits au Canada, États-Unis, Brésil, Pologne, Angleterre, Allemagne ainsi qu’en Chine. Il est récipiendaire de bourses et prix locaux, provinciaux et nationaux. Il est originaire de Saint-Zacharie en Chaudière-Appalaches et vit à Montréal.

«Mon parcours imite la façon avec laquelle se structurent nos institutions et sociétés. Je développe des installations, performances, poèmes, systèmes qui réagissent à leur contexte (époque, journée). J’emprunte la complexité et l’abondance comme moyens et joue ma notoriété en développement pour conduire une réflexion sur l’égotisme et l’auto-création. Je me considère comme un artisan des nouvelles technologies, visant un travail ramifié, exemplaire, indépendant d’aliénations économiques. M’y appliquant essentiellement seul, je vise à piéger les prévisions et transformer les lieux où je m’active en défendant le partage des valeurs, connaissances et outils.»

À propos de l’oeuvre…

Estampe numérique composée à partir du jeu vidéo Nous Aurons, présentant la coopérative Archipel (Laurentie) sur le territoire de l’ancienne île de Montréal, territoire mohawk non cédé. Le « graffiti » visible sur le bâtiment provient de l’exposition « L’idée du commun » de l’artiste Anne-Marie Ouellet.

• Impression au jet d’encre, papier archive sans acide Fuji Premium Matte 230 g. Format: 16×20 po. / 40×50 cm. Non encadrée.
• Prix forfaitaire de 150 $ CAN. Disponible au bureau de TOPO sans autre frais. En cas d’expédition, des frais d’envoi et d’emballage s’appliqueront.